Educación academicista o enseñanza del dibujo y las áreas instrumentales

1. Educación academicista o enseñanza del dibujo y las áreas instrumentales Historia de la Especialidad de Dibujo Máster Secundaria USAL Ana Morales Ramos

2. La forma en que se enseñan las artes visuales en la actualidad ha venido condicionada por las creencias y los valores relacionados con el arte de aquellos que promovieron su enseñanza en el pasado. Muchos eran individuos socialmente poderosos que influyeron sobre las políticas educativas de su tiempo. Para ellos, la enseñanza del arte no era algo caprichoso o accidental, sino que tenía que ver con la consecución de ciertos objetivos sociales, morales y económicos.

3. La enseñanza de las artes visuales viene asociada a ciertas tendencias elitistas. Muchas escuelas contemplan las artes como materias especiales reservadas a unos pocos dotados de privilegios o talentos especiales. Para comprobar de donde provienen estas actitudes, debemos ir a los orígenes de la educación en la cultura occidental.

4. A medida que se va desplegando la historia quedará claro que la enseñanza de las artes visuales se ha organizado alrededor de una serie de marcos institucionales. En la Edad Media era controlada por el alto clero al que pertenecieron los mecenas, los educadores y los propios artistas. En la Baja Edad Media, la enseñanza del arte era regulada por los gremios artesanales. En los siglos XVI y XVII fue la corte secular la que patrocinó las escuelas artísticas y profesionales que empezaron a tomar forma.

5. En nuestra época, la instrucción en las artes se transmite a través de una compleja red de instituciones formales, e informales: escuelas profesionales de arte museos y escuelas de museo, colegios de artes liberales, publicaciones medios de comunicación, enseñanza obligatoria. Tanto el aficionado como el profesional pueden acceder a la instrucción, sea en clases privadas con un solo estudiante o en clases colectivas del tamaño que sea. Si la diversidad es lo que caracteriza actualmente el acceso a las artes, no fue siempre éste el caso

6. Alta Edad Media Alto clero Baja Edad Media Gremios

7. Hay otras civilizaciones que también abordaron la cuestión de las artes y la educación, pero las discusiones de los griegos tienen una relación directa con nuestra historia, ya que sus actitudes en relación con las artes y con el lugar que ocupan en la educación continúan influyéndonos incluso hoy. Los comentarios de Platón y Aristóteles sobre el arte y la educación aparecen en sus escritos políticos, pues se trata de cuestiones graves que afectan a la supervivencia de la comunidad. En estas discusiones las artes no eran valoradas por sus cualidades estéticas sino por su impacto educativo como instrumentos para la conservación de la cultura.

8. Para comprender por qué los griegos distinguían estas artes visuales debemos examinar las tempranas prácticas educativas de las antiguas Esparta y Atenas. La práctica educativa espartana fue un tema que trataron tanto Platón como Aristóteles, quienes elogiaron sus virtudes, aunque reconocieron también sus deficiencias. Desde el punto de vista de Platón, su debilidad residía en que el niño era educado no con influencias amables sino por la fuerza, ya que los espartanos ignoraban la razón y la filosofía y honraban más la gimnasia que la música. (Republica, VII)

9. La Krypteia (o Cripteia), en griego κρυπτεία, de κρυπτός (“escondido”, “secreto”), era en Esparta una prueba de gran exigencia dentro de la agogé o educación espartana. La historiografía no ha determinado aún con precisión su naturaleza y objetivos. Según Plutarco (Vida de Licurgo, 28, 3-7), cada año los éforos espartanos, nada más tomar posesión de su cargo, declaraban la guerra a los ilotas a fin de poder matarlos sin cometer con ello un crimen. Se seleccionaba entonces a aquellos jóvenes que parecían más capaces y se les enviaba al campo provistos sólo de un puñal y la comida indispensable, descalzos y sin ropa de abrigo. Durante el día permanecían escondidos; al llegar la noche, bajaban a los caminos y a las granjas, mataban a todos los ilotas que se encontraran, incluidos los más fuertes, y robaban la comida que necesitaban.

10. No es algo exclusivo de los Espartanos (aunque si entre los griegos antiguos) y otras sociedades como algunas sociedades guerreras africanas y los antiguos Aztecas y Mayas (Las guerras floridas o Xōchiyaoyōtl) hacían cosas similares. Lo que pasa es que en el caso de los Espartanos no se suele contar mucho, ya que esa práctica es una antítesis para lo que se supone que es la cuna de la civilización occidental y durante muchos años se pasó de puntillas en este tema por parte de educadores e historiadores o simplemente se ignoró, en beneficio de dar una imagen mas heroica y brillante de este pueblo, como con el tema de Leónidas y sus famosos 300. En la peli, por cierto, Leónidas de niño pasa su "Cripteia" matando a un lobo, porque enmascaran esta práctica con esa imagen tan bonita del crío ensartando por la boca a la alimaña. A día de hoy todavía se maquilla esa imagen.

11. Tradicionalmente existe una división social característica en el mundo griego entre las dos poleis principales y rivales entre sí, Atenas y Esparta, incidiendo en diferentes sistemas educativos y sociales. La sociedad espartana está caracterizada por su rigidez. Tres clases constituyen esta sociedad, dividida en espartanos, periecos e ilotas. Los espartanos eran todos los nacidos en Esparta durante generaciones y recibían la categoría de ciudadanos, siendo considerados iguales ante la ley. Los periecos solían ser extranjeros que se dedicaban a la artesanía y el comercio; debían pagar impuestos y servir al ejército en tiempos de guerra. Los ilotas no tenían ningún tipo de derecho, ya que eran siervos del Estado; en caso de necesidad eran reclutados para el ejército y trabajaban las tierras de los ciudadanos a cambio de un tributo. Los espartanos eran educados para formar parte del ejército. Los niños discapacitados eran arrojados al barranco del Taigeto. A los siete años, niños y niñas iniciaban su adiestramiento físico a cargo del Estado mediante carreras, saltos, manejo de las armas o lanzamiento de jabalina.

12. Carpintero de Terracota . S. V a. C.

13. A diferencia de los espartanos, los atenienses miraban más allá de los confines de su ciudad. En una fecha tan temprana como el 800 a. C. ,los navegantes y los comerciantes de Atenas habían alcanzado los rincones más lejanos del Mediterráneo. En Atenas surgió una nueva concepción de la educación cuyo objetivo era la buena vida que se basaba en el desarrollo completo de la personalidad, incluidos sus aspectos físicos, intelectuales estéticos, físicos y morales. El modelo educativo reflejaba un cuidadoso equilibrio entre la gimnasia y la música.

14. Las primeras clases de dibujo tuvieron lugar en Sición, en el s. IV a. C., gracias a la influencia de Pánfilo, uno de los maestros de Apeles, y desde allí se extendió al conjunto de Grecia. Aristóteles las clasificó como una asignatura extra que los alumnos añadían a su currículo normal de literatura, gimnasia y música, pero un siglo más tarde el profesor de dibujo aparecía como un miembro regular del personal educativo. Durante el siglo II a. C., el dibujo aparecía clasificado como una de las asignaturas de los exámenes de las escuelas de Teos y Magnesia del Meandro.

15. Pánfilo Pan = todo Filo = amante de

16. En la época posterior a Pericles, la adquisición de habilidades lingüísticas pasó por delante del ethos y el énfasis en la polis y en la “buena vida”. Sócrates y Platón se inquietaron ante el abandono de la formación para la ciudadanía y redactaron textos políticos para reformar la sociedad a través de la educación de los guardianes de la República.

18. Francis Alÿs, Sobre la noción del Artista: Política del Ensayo La base de las actividades de Francis Alÿs se inspira en sus paseos a través de la ciudad. Su trabajo, que abarcaacción artística, vídeo, dibujo, pintura y escultura, se desarrolla en múltiples ciudades, como Nueva York,Londres, Lima y Jerusalén. En esta obra que frecuentemente cuenta con la participación personal de su creador, se describe el contexto en el cual el artista trabaja como artista político en el sentido griego del término «polis»: la ciudad como lugar de conflicto y sentimientos. Con acciones simples, irónicas y significativas, Francis Alÿs estudia la influencia del arte en la vida de la ciudad. Alÿs ha tomado parte en numerosas exhibiciones y concursos a nivel internacional y ha sido catalogado como uno de los artistas más importantes del mundo por la revista norteamericana Newsweek en 20 http://youtu.be/yoCUyh43YRw

19. Platón propiciaba una condición inferior para el arte . Él presuponía que los arquetipos que la mente racional puede captar en su fría pureza estaban libres de las distorsiones de los sentidos y, por lo tanto, eran superiores al conocimiento que se da en la percepción. El conocimiento sensorial basado en la realidad de la naturaleza consistía en copias imperfectas o imitaciones de estos ideales. Es más, los objetos que aparecían en las obras de arte eran imitaciones de imitaciones, así que doblemente inferiores. Los ideales platónicos son altamente abstractos y están lejos del alcance de las mentes normales. El pensamiento puro sin sentidos, es difícil. Arthur D. Efland “Arte y Cognición”

20. Ejemplo de las tres camas

21. Cama conceptual MICRONARRATIVA A lo largo de la historia, en la mayoría de las culturas, las mujeres han sido sometidas a estructuras patriarcales que les han negado los derechos humanos más fundamentales. Las leyes antiguas y los sistemas tradicionales, como el cristianismo y el islamismo, antecedentes de los sistemas modernos, han provocado la dependencia de la mujer, de forma análoga a la esclavitud, a la explotación de las clases desfavorecidas y a la mano de obra. Una de las razones podría ser el fortalecimiento y sostenimiento del poder y de la actividad económica y de igual forma se evidencia que quienes resultan sometidos son vistos, por los explotadores, como seres inferiores, inmaduros, infantiles, malvados o depravados. (Véase el artículo Prejuicio cognitivo) Intra-Venus Series #3, August 17 and August 9, 1992 Hannah Wilke (American, 1940–1993) 1 of 3 panels from the chromagenicsupergloss triptych h: 71.5 x w: 47.5 in / h: 181.6 x w: 120.6 cm Ronald Feldman Fine Arts

23. Imitación de imitación http://www.youtube.com/watch?v=5HjR1X0a4e4 Tony Oursler (nacido en 1957) es un artista multimedia y de instalación Oursler comenzó a trabajar con proyectores de vídeo pequeño de LCD en 1991 en su instalación "La Observación", presentado en la Documenta 9, con su primera muñeca de vídeo. Este trabajo utiliza datos de tela suave hecha a mano combinados con rostros expresivos animados por proyección de video. Oursler entonces produjo una serie de instalaciones que combinan objetos encontrados y proyecciones de video. "Judy", 1993, exploró la relación entre el trastorno de personalidad múltiple y medios de comunicación. "GetAway II" cuenta con una cifra proyectada pasiva / agresiva cuña debajo del colchón que confronta al espectador con la dirección directa contundente. Estas instalaciones condujeron con gran éxito de público y crítica. 

24. A pesar del peligro que representaban, Paltón no defendía la eliminación de las artes de la educación, pues no era ningún espartano. Lo veía como un recurso indispensable para el desarrollo del niño.

25. Aristóteles también se interesaba por los efectos del arte. Advirtió los efectos del arte en el público como catarsis necesaria para purgar a las personas de las emociones destructivas y restaurar así el orden en la polis. En la Política Aristóteles distinguió cuatro temas en la enseñanza a saber, la lectura y la escritura, los ejercicios gimnásticos, la música, y en ocasiones el dibujo.

26. Medea Parte 1 - AranDramatica - Karlik Danza http://youtu.be/AnuY8hGhV2E YukioNinagawa http://youtu.be/GTD17KkJ9TQ

27. La Llorona es un espectro del folclore hispanoamericano que, según la tradición oral, se presenta como el alma en pena de una mujer que asesinó o perdió a sus hijos, busca a estos en vano y asusta con su sobrecogedor llanto a quienes la ven u oyen. Si bien la leyenda cuenta con muchas variantes, los hechos medulares son siempre los mismos.

28. Estos autores pretendían volver a los tiempos de Homero intentando atajar la erosión de los valores tradicionales que pensaban que debilitaba el orden social. Las instrucción gimnástica había experimentado un proceso de profesionalización y se estaba convirtiendo en un espectáculo perdiendo su estatus para la educación de los jóvenes, de este modo cuando la educación helenística pasó a Roma, habían dejado de ser importantes para el currículo.

29. En la época de Cicerón, un romano bien educado era alguien que tenía una formación griega. En fecha tan temprana como el 267 a. C., un grupo de griegos cultos fueron llevados a Roma como esclavos. Uno de estos griegos fue Livio Andrónico, el cual, tras obtener la libertad, se convirtió en profesor de griego para los jóvenes romanos.

31. Busto de Plotino. Museo Ostiense, Ostia Antica, Roma. En el s. III d. C., Plotino, el fundador de la tradición neoplatónica, desarrolló una filosofía de la belleza basada en la concepción platónica de la inspiración. Dicho artista no se limita a representar los objetos tal y como son sino que añade lo que le falta a la naturaleza. Según Plotino el arte no es una mera imitación , a diferencia de lo que pensaba Platón, también es una revelación.

32. Tras la caída de Roma, la actividad secular en el campo de las artes visuales quedó virtualmente paralizada, al igual que el comercio y la comunicación. La agricultura se mantuvo como principal actividad económica. El mecenazgo de los artistas fue llegando a su fin y los talleres de artesanos fueron desapareciendo gradualmente. Con el auge del sistema feudal, Europa se convirtió en un mosaico de feudos hereditarios, cada uno de los cuales constituía una entidad económica autosuficiente, incluidas las comunidades monásticas enmarcadas dentro de la Iglesia. La economía feudal funcionaba sin dinero, sin los beneficios derivados del comercio y sin préstamos. Perseguir la riqueza significaba caer en el pecado de la avaricia, mientras que prestar a cambio de un interés (usura) era considerado un pecado por la Iglesia. Cada feudo disponía de talleres para elaborar los utensilios necesarios para la vida diaria.

33. Los monjes de los monasterios eran principalmente reclutados entre las clases aristocráticas, y, tal como explica Hauser, no era infrecuente que el hijo de un noble, que “de otro modo no habría manejado nunca un pincel, un cincel o una paleta, (entrara) en contacto directo con las artes”(pág. 168) La Regla Benedictina prescribía el trabajo manual y el intelectual y determinó que en los primeros momentos del desarrollo de la Orden se diera gran importancia a las ocupaciones manuales. Hacia el final del s. XI, las fuerzas sociales que habían favorecido el desarrollo monástico empezaron a experimentar cambios, empezaron a florecer ciudades entre feudos y monasterios y los viajes se hicieron más seguros y fáciles, con peregrinos, estudiantes y caballeros que luchaban en las Cruzadas. Al llegar la Baja Edad Media habían aparecido nuevas clases profesionales, lo que llevó al desarrollo de nuevas instituciones. Entre estas últimas se encontraban los gremios artesanales para los diversos oficios, que pasaron a ocupar una parte importante del panorama educativo.

34. La función latente del gremio era controlar la oferta profesional a través de una drástica limitación del número de aprendices que podían acceder a la formación y de aquellos que podían impartirla, pues tomar aprendices era un privilegio que correspondía únicamente a los maestros. Por lo común, los aprendices iniciaban su periodo de aprendizaje a la edad de trece o catorce años. Tras un periodo de 5 años, recibían habitualmente un certificado, tras pasar un test oficial, que a menudo incluía la elaboración de una “pieza maestra” y estaban en condiciones de obtener el rango de maestro . Un maestro podía abrir su propio taller y tomar aprendices. El proceso para llegar a ser maestro era largo y arduo, y pocos alcanzaban este estatus.

35. En su tratado sobre pintura, CeninoCennini (1360-1437) aconsejaba que un aprendiz dedicara seis años a “trabajar con los colores; y a aprender a hervir la cola y moler el yeso; y a conseguir experiencia en las labores de pintar, embellecer con mordientes, aplicar capas de oro, así como a adquirir práctica en el trabajo sobre la pared”

36. Lorenzo de Médici Por Giorgio Vasari 1511-1574 GalleriadegliUffici 90 por 72cm Giorgio Vasari: Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos. Si bien existen dos ediciones: Edición en Florencia, 1568; es en esta última donde se cita a Cennini.

37. El Renacimiento italiano marcó uno de los cambios cruciales en la historia cultural occidental, ya que estableció las bases para la concepción moderna del arte. Los humanistas eran hombres de letras que reservaron un lugar respetable para la obra de arte al señalar su parecido con la literatura o la historia. El humanismo era una filosofía de la educación que privilegiaba los estudios clásicos. El resultado fue un nuevo modelo de escuela secundaria que habría de dominar la educación europea durante varios siglos. Las primeras escuelas secundarias de estudios clásicos fueron las escuelas de la corte de Italia, sobre cuyo modelo se diseñaron los gimnasios alemanes, los liceos franceses y las escuelas de gramática latina inglesas. Tales escuelas fueron fundadas por los príncipes y los duques que gobernaban las ciudades estado. Hubo escuelas famosas en Florencia, Venecia, Padua y Verona, pero una de las más influyentes fue la escuela de Mantua , dirigida por Vittorino Da Feltre. Reconocido erudito en textos clásicos, desarrolló el currículo y los métodos para impartir las nuevas enseñanzas.

38. Las ideas de los humanistas quedaron reflejadas en una nueva arquitectura basada en el estudio de los monumentos de la antigüedad clásica. La centralidad del hombre se hace evidente en pinturas como La Escuela de Atenas de Rafael, y queda explícitamente enunciada en tratados como DellaPicturade Alberti, de 1435.

39. Tres principios de Alberti reflejan claramente las enseñanzas de los humanistas: • Una pintura debe evocar una sensación de realismo espacial e histórico gracias a una combinación de la perspectiva y de un sistema de proporciones y escalas basados en la figura humana 2. Una pintura debe tener una historia, o tema una situación dramática o episodio de la literatura clásica o de la Biblia 3. El tema escogido debe representarse por medio de un uso adecuado del color, la luz, la proporción y la composición capaz de edificarlo, deleitarlo, construirlo.

40. Las ideas de teóricos como Alberti o Leonardo hicieron que se cuestionara la validez de una educación artística controlada exclusivamente por los gremios. En consecuencia, la educación artística en el Renacimiento requería un planteamiento educativo que estuviera más en consonancia con el concepto de genio. Resultado de ello fueron la academias, donde los profesores y los alumnos podían desarrollar y compartir el conocimiento de la teoría y la filosofía de la práctica artística, basada en la búsqueda del saber artístico universal. Leonardo criticaba la rutina típica del taller, que ponía la práctica por encima del trabajo de libre interpretación.

41. Las primeras academias consistían en círculos filosóficos informales reunidos bajo los auspicios de un mecenas importante como Cosmio o Lorenzo de Medici, o tal vez un príncipe de la Iglesia. El curriculo, si podemos llamarlo así consistía en una serie de teorías desarrolladas por los propios artistas contemporáneos, relacionadas con la fundamentación matemática de las artes, la anatomía o la investigación humanística de la antigüedad. Pevsner 1973 considera que el inspirador del movimiento fue Leonardo, puesto que sus reflexiones teóricas se encuentran en la base de todos los sistemas posteriores de educación artística académica. Leonardo y Alberti insistían en que los estudiantes realizaran dibujos de esculturas a la luz de las velas, pues con ello los planos quedaban definidos y podían aprender a dominar el relieve.

42. La primera academia formal de arte, La Academia del Disegno, fue fundada por Giorgio Vasari en 1562. Sus miembros eran una selección de 46 artistas distinguidos, de los cuales 36 residían en Florencia. La iniciativa de crear una academia se produjo a la muerte de los grandes maestros y los grandes descubrimientos. Leonardo y Rafael habían muerto, y Miguel Ángel era un hombre viejo que había realizado ya sus grandes obras. Vasari intentaba desvelar las reglas del arte sobre la base de los descubrimientos realizados por estos gigantes. Tales reglas procedían pues del arte mismo más que de la naturaleza, con lo que el arte pasaba a construir su propia disciplina a partir de métodos ya establecidos de experimentación y enseñanza.

43. Cuando Vasari empleó el término maniera, se refería literalmente a trabajar de la misma manera que los maestros del alto Renacimiento. Podía jactarse de que mientras a Miguel Ángel le costó seis años terminar la obra, con su sistema de reglas era posible terminar seis obras en un solo año (Fleming,1968). Tal como lo expresó Blunt, la pintura había dejado de tener intensidad y seriedad que había tenido para Leonardo y Miguel Ángel : “se había convertido en cambio en un juego de habilidad que apelaba a un gusto por lo ingenuo y no inquietaba las facultades racionales”

44. En 1593 abrió sus puertas en Roma la Academia di. San Luca , fundada por Federico Zucari bajo los auspicios del cardenal Borromeo. Aproximadamente al mismo tiempo los hermanos Carraci establecieron una academia en Bolonia. Su institución se distinguía por el hecho de ser un establecimiento privado, sin el patrocinio de ningún príncipe o clérigo. Las academias privadas se convirtieron en algo común en Italia hacia finales del s.XVI y principios del XVII. Los Carraci destacaban por el eclecticismo de su teoría educativa. También ellos eran conscientes del declive en la calidad de la pintura italiana desde los días del papa León X y esperaban detener esta tendencia “no a través de nuevos descubrimientos sino a través de la imitación inteligente de las obras que crearon los maestros del Renacimiento. Para ellos “pintura era una ciencia que podía enseñarse a partir de una serie de reglas fijas , y tales reglas podían descubrirse a través del estudio del ejemplo, delos buenos maestros” (Blunt, 1963, pag 137)

45. En generaciones posteriores, el modelo de enseñanza artística que se escogería para Francia estaría basado en las academias de Roma y Bolonia. La enseñanza había reducido a un conjunto de reglas absolutas fundadas en la autoridad indiscutida de los genios del arte del alto Renacimiento.

46. La actitud de confianza tan característica de la época renacentista, cuando la humanidad medía todas las creaciones según su propia imagen, había dejado paso a la duda y el cuestionamiento. El cisma de la Iglesia, las guerras y las agitaciones sociales marcaron el fin del Renacimiento. Pero ya no era posible volver al modelo espiritual de la edad Media. Asaltada por las dudas, la sociedad optó en cambio por el absolutismo político, por la razón y la ciencia que habrían de influir sobre la enseñanza de las artes hasta finales de siglo XIX.

47. Ya en el s. XVII el sistema aristotélico de enseñanza había sido desbancado por el auge de las ciencias empíricas. La correlativa pérdida de estatus de las artes puede verse en los escritos de filósofos como Roger Bacon y John Locke, quienes insistieron en la necesidad de formas de discurso rigurosas para transmitir la objetividad de la ciencia. Las alusiones poéticas de los humanistas, antes el modelo mismo de la erudición intelectual, eran vistas ahora como simples concesiones de capricho, inadecuadas para la comunicación de un conocimiento proposicional. El lenguaje de la ciencia se distinguía a un tiempo, del lenguaje ordinario y del lenguaje de la literatura y del arte, algo que hubiera resultado incomprensible para Leonardo .

48. Descartes encontró su absoluto en la duda. Pero las ideas absolutistas también parecían encontrar su afirmación en la ciencia. Las leyes del universo no conocían excepciones, y Copérnico proclamó que el Sol gobierna la familia de las estrellas que se mueven a su alrededor como un rey sentado en el trono real . De forma parecida, el rey era el centro del estado francés , y guiaba a sus súbditos con la luz de su majestad. No fue pues ninguna casualidad que Luis XVI fuera llamado rey sol. El símbolo solar aparecía en las monedas, en las decoraciones de Versalles, en los emblemas y en las inscripciones de los documentos oficiales (Fleming, 1968).

49. Para las artes el principio del absolutismo significa que su papel principal era reafirmar el poder y el prestigio del Estado. En el caso de Luis XIV, el era el estado. A tal fin Francia estableció una serie de academias para las diversas artes, las ciencias y la literatura. La academia de lenguaje y literatura fue establecida durante el reinado anterior, en 1635; la Academia de Pintura y Escultura fue establecida en 1648; la academia de arquitectura comenzó a existir en 1671 (Pevsner, 1973)

50. El arte de Francia era propaganda política de la misma forma que la Contrarreforma era propaganda en favor de la Iglesia. La idea de que el arte era un instrumento poderoso para influir en los espíritus y en los corazones se hallaba implícita en las actas del concilio de Trento del siglo XVI, según el cual el papel de las artes era reforzar la fidelidad de los creyentes a la iglesia Católica. La novedad del reinado de Luis XIV fue el grado en que llegó a institucionalizarse tal política en el aparato de las academias insaturadas por el gobierno, para controlar el mecenazgo, la censura y la obligación.